Filmatron en Espacio Ecléctico

Los días jueves 11 y 18 de Octubre de 2007, a las 19 horas, se proyectartá en Espacio Ecléctico, Humberto Primo 730 -4307.1966-, el largometraje de FARSA Producciones titulado FILMATRON (2007) Dur.: 92 min..

El Valor de la entrada será de $10.- y previo al film se pasarán algunos Cortometrajes de la misma productora.

Filmatron ha sido la película Ganadora del "Premio del Público" en el último Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI), y de la "Mención Especial del Jurado" y "Mejor Actriz" por Carolina Setton en el Festival Tandil Cine 2007.

FARSA Producciones es responsable de los últimos videoclips más vistos en el país como “Arrancacorazones” de A77aque, “Oyelo” de Bahiano o “Uno los Dos” de Miranda!, entre otros

(ver http://www.youtube.com/watch?v=uz-09pfgBQQ&mode=related&search=)

Filmatron es un film de aventuras y ciencia ficción, es una adaptación libre y para adolescentes del libro 1984 de George Orwell, realizado en forma independiente y autogestionado, sin apoyos económicos de ningún tipo.

Sinopsis
Lucas y un grupo de amigos deciden realizar una película de ciencia ficción sin saber que viven en un mundo dónde eso está prohibido, y sin saberlo se convierten en la única esperanza de la rebelión, la única esperanza para derrumbar a un imperio en decadencia y generar una nueva revolución que despierte al pueblo dormido.

Ficha Artistica

Walter Cornás (Lucas)

Laura Azcurra (Julieta)

Ricardo Chiesa (Osvaldo)

Berta Muñiz (Gordo Héctor)

Paulo Soria (Daniel Vega)

Esteba Prol (Miguel Monforte)

Ignacio Huang (Yama)

Esteban Galíndez (Alejandro Parrilla)

Secuaz (Carolina Setton)

Ficha Técnica

Guión y Dirección: Pablo Parés

Productor: Ximena Battista, Diego Azulay, Walter Cornás y Gisella Chiqui

Productores Asociados: Diego Echave, Carlos Kaplan y Pablo Parés

Fotografía: Diego Echave

Dirección de Arte y Vestuario: Walter Cornás y Gisella Chiqui

Sonido Directo: Javier Farina

Diseño de Sonido: Mariano Suarez

Montaje: Pablo Parés, Esteban Rojas, Diego Briata y Gaston Inaui

Música: Alejandro D´Aloisio

Work in Progress en:

http://www.youtube.com/watch?v=Q8J_Z333aTA

Viernes de Biografías

Hoy Alex de la Iglesia

Nació en Bilbao, el 4 de Diciembre de 1965.

Es licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad de Bilbao.

Sus pasiones son el cine y el “cómic”. Sus primeros ingresos profesionales los obtuvo como dibujante de los periódicos bilbaínos “La Gaceta”, hoy desaparecida, y “El Correo”. Él mismo dice “yo he hecho muchos tebeos, he hecho cómics, me gustan mucho los dibujos entonces, bueno, tratar a los actores como dibujos no es punto de partida muy bueno para ellos, sobre todo porque tienes las ideas bastante claras de los que quieres de cada uno y realmente la interpretación la tienes en la cara, me gustaría dibujar la cara de cara actor”. Sus películas están impregnadas de este origen y concepción, son muy meditadas, tienen una preproducción larga y rara vez se apartan del guión para no perder la perspectiva de conjunto, ni tono.

En 1988 participa como director artístico del cortometraje de Pablo Berger “Mama” y de la película “Todo por la pasta"(1990) de Enrique Urbizu. Al año siguiente rueda su primer corto “Mirindas asesinas”, en el que están presentes las claves de toda su ulterior producción, fundamentalmente sátiras, en las que la violencia y el humor negro son los instrumentos de los que se sirve para hacer una acerada crítica de la sociedad.

Una buena comedia –dice- es realmente el lenguaje más inteligente que existe, no hay nada más inteligente que el humor.

Su primer largometraje fue “Acción mutante” (1992), producida por la productora de los hermanos Almodóvar “El Deseo”, primera película de la compañía no realizada por el director manchego, sobre un guión del propio De la Iglesia y de Jorge Guerricaechevarría, su colaborador habitual. Una historia fantástica, cuya acción transcurre en el año 2012 y que tiene como centro al grupo terrorista “Acción mutante”, integrado por tullidos y minusválidos. Tuvo una preproducción larga para conseguir los objetivos del guión y se filmó con un “story board” muy elaborado. Era una apuesta arriesgada de hacer una cinta de acción futurista y efectos especiales en España, cuando este género era prácticamente inexistente en la cinematografía ibérica. Con el tiempo se ha convertido en un clásico del género en nuestro país. Consiguió, en 1993, los Goya de dirección de producción, efectos especiales y peluquería.

Su siguiente película fue “El día de la bestia” (1995), sobre el fin del mundo y el anticristo, que iba a nacer a nacer en la Nochebuena de 1995 y la lucha de sacerdote y teologo Ángel Beriatúa (Álex ángulo) para evitar su llegada. Se rodó gracias al impuso de Andrés Vicente Gómez. La película fue un gran éxito de público (más de un millón y medio de espectadores) y de critica. Obtuvo seis premios Goya (mejor dirección, actor revelación, dirección artística, maquillaje y peluquería, sonido y efectos especiales). Es una de sus mejores películas y de guión más cuidado, lo más destacable es la atmósfera tremendista, el ritmo y el diseño de cada unos de sus escenarios.

“Perdita Durango” (1996), fue rodada en México y contó en el reparto con la actriz norteamericana, de origen portorriqueño, Rosie Pérez y con Javier Bardem. Es una película que se aparta del resto de su filmografía, no es una comedia, sino un viaje al México más profundo y desconocido a través de los dos personajes principales, cargada de violencia y de sexo, pero interesante y que atrae y, quizás por ello, no tuvo la repercusión deseada.

“Muertos de risa” (1999) es un regreso a la comedia y una sátira en torno a dos humoristas enfrentados por la parte que les corresponde del éxito como pareja y sus problemas de relación cotidiana, protagonizada por Santiago Segura y El Gran Wyoming, que tuvo un gran éxito de espectadores pero que fue recibida por la crítica con división de opiniones. La narración descansa en un largo "flash back" de Álex Aángulo.

En el año 2000 rueda “La Comunidad”, protagonizada por Carmen Maura, representante de una inmobiliaria, que encuentra una fortuna que los vecinos de la comunidad hace años que andan buscando. Una de sus mejores películas donde la codicia se convierte en el elemento que conduce a la destrucción de los personajes.

En 1997 fundó "Pánico Films, S.L." con la que ha participado en la producción de “800 Balas” (2002), rodada en el desierto de Tabernas (Almería), una crítica del cine del oeste que no alcanzó la repercusión deseada.

Su última película es “Crimen Ferpecto” (2003).

(www.basecine.net)

Viernes de Biografías

Hoy Los Hermanos Dardenne

Uno (Jean-Pierre Dardenne) nació el 21 de abril de 1951, otro (Luc Dardenne) el 10 de marzo de 1954.

Ambos crecieron juntos en Liège y Seraing, dos pueblos industriales de Valonia en la parte francoparlante de Bélgica, en la cuenca del río Meuse.

De orígenes modestos, y críados en la clase trabajadora. Esto proporcinará el telón de fondo de todas sus películas, porque este es el mundo en el cual se sientien como en casa.

Mientras que Luc opta por filosofía, Jean-Pierre estudia arte dramático en el I.A.D (Institut des Arts de Diffusion) y conoce a Armand Gatti, una personalidad minuciosamente entregada, director, poeta y cineasta (L'enclos, 1961) así como humanista, hombre de artes y letras; que lucha en muchos frentes. Gatti los involucra en dos de sus espectáculos: "La Colonne Durutti" y "L'Arche d'Adelin".

En 1981, trabajarán de nuevo con Armand Gatti en Nous étions tous des noms d'arbres, Jean-Pierre como asistente de cámara, y Luc como asistente del director jefe .

Al mismo tiempo, vuelven a casa para hacer grabaciones en video de los lugares planificados para la residencia de la clase obrera, grabar informes de testigos oculares y hacer retratos. Cuando terminan, realizan una serie de documentales.

En 1975, encontraron su propia productora, "Dérives", la cual terminará produciendo 50 y más documentales. "Les Films du Fleuve", de 1994, será el vehículo de producción de todas sus películas a partir de ahí, así como las de otros guionistas (Stormy weather de Solveig Anspach, Le Monde vivant de Eugène Green, Le Mystère de la chambre jaune de Bruno Podalydès y La Chuchilla Costas Gavras).

En 1987, Falsch, adaptada de una obra de René Kalisky y co-escrita por Jean Gruault (el guionista de François Truffaut), marca el paso a la ficción. Pero Je pense à vous, en 1992, pone en jaque a los hermanos Dardenne que no tienen control ni del rodaje ni de la película. Las cosas serán diferentes en la siguiente película, La Promesse, que mostrada en Cannes durante la Quinzaine des Réalisateurs en 1996, presenta los nombres de Jérémie Renier y Olivier Gourmet ente el público.

Nunca antes, ninguna de sus películas ha sido popular tanto con los entusiastas como con los críticos : Rosetta gana la Palma de Oro en Cannes en 1999 mientras la joven Emilie Dequenne, en su primer papel, gana el premio a la interpretación femenina. Tres años más tarde, Le Fils produce a Olivier Gourmet, fidel actor desde La Promesse, ganadora este año del premio a la interpretación masculina en Cannes ; este año, ganaron su segunda Palma de oro por L'Enfant.

Filmografía

Cine

2005, L'Enfant

2002, Le Fils

1999, Rosetta

1996, La Promesse

1992, Je pense à vous

1987, Il court... Il court le monde (CM)

1986, Falsch

Video

1983, Regarde Jonathan / Jean Louvet, son oeuvre , 52'

1982, Leçons d'une université volante, 5 x 11'

1981, R... ne répond plus

1980,Pour que la guerre s'achève, les murs devaient s'écrouler

1979, Lorsque le bateau de Léon M. descendit la Meuse pour la première fois

1978, Le Chant du rossignol

www.cineuropa.org

Viernes de Biografías

Hoy Abbas Kiarostami

Director y guionista de cine iraní nacido en Teherán en 1940. Graduado en Bellas Artes trece años después de comenzar sus estudios, ya que hubo de simultanearlos con su trabajo como pintor y diseñador gráfico, Abbas Kiarostami se mostró muy activo en el ámbito del cine publicitario durante la década de los sesenta, y rodó según su propio testimonio más de ciento cincuenta anuncios.

En 1969 ingresa en el Instituto para el Desarrollo Intelectual de Niños y Adolescentes, bajo cuyos auspicios realiza sus primeros cortometrajes; aunque básicamente fueron films de corte didáctico, títulos como Nan va kuche o el mediometraje Tajrobe -sus primeras incursiones en el cine de ficción- evidencian ya un talento innegable.

Los dos únicos largometrajes que realiza antes de la Revolución Islámica, Mosafer y Gozaresh, tienen muy poca repersusión a pesar de su calidad, y Kiarostami, que opta por permanecer en Irán a raíz de tales acontecimientos, continuará trabajando para el Instituto y realizando films centrados de una u otra forma en el mundo de la infancia. Khane-ye doost kojast?, su auténtica revelación a escala internacional gracias a la formidable acogida que se le dispensa en el Festival de Locarno de 1989, era en rigor un nuevo largometraje para el muy activo Instituto para el Desarrollo Intelectual de Niños y Adolescentes.

También para éste rueda los documentales Avvaliha y Mashq-e shab, interesantes aproximaciones a los problemas de la educación primaria en Irán, así como el fascinante ensayo Nama-ye nazdik, film inclasificable en el que Kiarostami reconstruye magistralmente el caso real de un humilde obrero en paro, gran aficionado al cine, que se hace pasar por el realizador Mohsen Makhmalbaf para intimar con una acomodada familia de Teherán. Zendegi va digar hich (también conodida como Zendegi edame darad) prosigue el camino abierto por Nama-ye nazdik en esta peculiar y personal variante del film-encuesta, ahora a partir de un viaje en busca de los protagonistas de Khane-ye doost kojast?, tras tener el cineasta noticias del terremoto que sacudiera la región en que se rodó.

Galardonado en numerosos festivales internacionales, Zendegi va digar hich encontrará en A través de los olivos una nueva vuelta de tuerca a ese intrincado juego de interacciones entre realidad y ficción del que Kiarostami es un auténtico maestro, componiendo asimismo la tercera entrega de una inesperada trilogía que le consagra como uno de los mayores cineastas del momento. Beneficiándose ya de la distribución internacional de sus films, Kiarostami acometerá en 1997 su proyecto más ambicioso y arriesgado, El sabor de las cerezas, obra maestra justamente recompensada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de ese año, tibiamente acogida sin embargo en el propio Irán por plantear crudamente problemas filosóficos y teológicos de gran calado.

En la 56º edición de la Mostra de Venecia, clausurada el 11 de septiembre de 1999, fue galardonado con el Gran Premio del Jurado, por su película El viento nos llevará. El realizador iraní abordó en 2003 un nuevo proyecto inspirado en el teatro religioso tradicional de su país. Presentó el espectáculo en Roma, bajo el título Ta´ziyè e interpretado por actores no profesionales.

FILMOGRAFÍA

CORTO Y MEDIOMETRAJES
1970 - Naan va kooche (El pan y el callejón) -12 mins-

1972 - Zang-e tafrrih (El recreo) -17 mins-

1973 - Tajrobe (La experiencia) -60 mins-

1975 - Do rah-e baray-e yek masaleh (Dos soluciones a un problema) -5 mins-

1975 - Manam mitunan (Yo también puedo) -4 mins-

1976 - Rang-ha (Colores) -15 mins-

1977 - Tribute to the Teachers -30 mins-

1978 - Jahan Nama Palace -30 mins-

1978 - Ra-e hal (Solución) -11 mins-

1981 - Be tartib ya bedun-e tartib (Con disciplina o sin disciplina) -15 mins

LARGOMETRAJES
1974 - Mosafer (El viajero)

1976 - The Wedding Suit 1978 - Gozaresh (El informe)

1979 - Case No.1, Case No.21985 - Avvaliha (Primer grado)

1987 - Khane-ye doost ko-jast? (¿Dónde queda la casa de mi amigo?)

1989 - Mashq-e shab (Deberes)

1990 - Nama-ye nazdik (Primer plano)

1991 - Zendegi va digar hich/Zendegi edame darad (La vida continúa)

1993 - Zir-e darakhtan-e zeyton (Detrás de los olivos)

1997 - Ta´ame gilas (El sabor de la cereza)

1999 - Baad marra khahad bord (El viento nos llevará)

2000 - Danza con los sueños.

http://www.ebiografias.com/67108/Kiarostami-Abbas.htm

Viernes de Biografías

Hoy John Cassavetes

John Nicholas Cassavetes nació en Nueva York, el 9 de diciembre de 1929.

Era un actor, guionista y director al que se le consideró un pionero del cine independiente americano.

Sus padres, Nicholas John Cassavetes y Catherine Demetri, eran inmigrantes griegos. Creció en Long Island y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de entrar en la academia de artes dramáticas (American Academy of Dramatic Arts). Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en series de televisión.

Cassavetes se casó con la actriz Gena Rowlands.

Hacia 1956, comenzó a enseñar el “método” en talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, Shadows (1959). Cassavetes obtuvo los fondos de familia y amigos; así como del programa de radio “Night People”.

Cassavetes fue incapaz de conseguir que ninguna distribuidora americana lanzase Shadows, así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Los distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a Estados Unidos como si se tratara de una importación.

A pesar de que su distribución en América no fue muy amplia, consiguió llamar la atención de los estudios de Hollywood. Cassavettes dirigió dos largometrajes en Hollywood a comienzos de los años 60: Too Late Blues y A Child is Waiting
Mientras tanto, su carrera como actor continuaba de forma exitosa: The Dirty Dozen (1967), por la que fue nominado al Oscar al Mejor Actor de Reparto; y en Rosemary's Baby (1968) de Roman Polanski Otras películas: The Killers de Don Siegel y The Fury (1978).

Su siguiente película como director (la segunda de forma independiente a los estudios) fue Faces; protagonizada por su mujer, Rowlands, y por John Marley, Seymour Cassel y Val Avery. Muestra la desintegración de un matrimonio moderno. Fue nominada a tres Oscars: Mejor Guión Original, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz de Reparto.
Husbands (1970) está protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara. Interpretan a un trio de hombres casados viajando por Nueva cork y Londres tras el funeral de uno de sus mejores amigos. Minnie and Moskowitz, que trata de una pareja formada por dos amantes muy diferentes, es interpretada por Rowlands y Seymour Cassel.

En los años 70, realize sus tres grandes obras maestras: A Woman Under the Influence (1974), The Killing of a Chinese Bookie (1976) y Opening Night (1977). Todas ellas fueron producidas independientemente.
Rowlands fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su trabajo en A Woman Under the Influence; al mismo tiempo que Cassavetes era nominado al Mejor Director.
En The Killing of a Chinese Bookie, podíamos ver a Ben Gazzara interpretando el papel de Cosmo Vitelli, un propietario de un pequeño club de strip-tease que es presionado por unos gangsters a cometer un asesinato para poder pagar sus deudas.
En Opening Night, podíamos ver a Gena Rowlands junto a Cassavetes como los prtaconistas, con Ben Gazzara y Joan Blondell. Rowlands retrata a una estrella cinematográfica venida a menos con los años que trabaja en el teatro y sufre una crisis personal. Según Laurence Gavron, Cassavettes trabajó en el guión durante años, refinándolo y alterándolo. La producción costó más de 1,5 millones de dólares y se necesitó más de un año para terminarla. La primera versión duraba 5 horas y finalmente, tan sólo una copia de la versión final fue distribuida en los Estados Unidos.

Posteriormente, en la década de los 80, llegaron Gloria (1980), Love Streams (1984) y, la que sería su última película, Big Trouble (1986). Cassavetes murió de cirrosis hepática en 1989 con 59 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Angeles, California.
Rowlands continuaba vida y habían tenido tres hijos. Su hijo, Nick Cassavetes continuó con sus pasos como actor (Face/Off) y director (John Q).

El papel de la improvisación en las películas de Cassavetes generalmente es malinterpretado. Sus filmes – con excepción de la primera versión de Shadows – tenían un sólido guión. Cassavetes permitía, sin embargo, llevar sus propias interpretaciones de los caracteres a la escena. La escena en general estaba escrita pero la actuación no. Cassavetes también era receptivo a la hora de tomar una nueva dirección si era sugerido por el actor.

Filmografía selecta

Como director
Shadows (1959)
Too Late Blues (1961)
A Child Is Waiting (1963)
Faces (1968)
Maridos (1970)
Minnie and Moskowitz (1971)
Una mujer bajo la influencia (1974)
The Killing of a Chinese Bookie (1976)
Opening Night (1977)
Gloria (1980)
Love Streams (1984)
Big Trouble (1986)

Como actor
Edge of the City (1957)
The Killers (1964)
The Dirty Dozen (1967)
Rosemary's Baby (1968)
Maridos (1970)
Two-Minute Warning (1976)
Mikey and Nicky (1976)
The Fury (1978)
Whose Life Is It Anyway? (1981)
Tempest (1982)

(http://es.wikipedia.org/wiki/John_Cassavetes)

Viernes de Biografías

Hoy Terry Gilliam

Terence Vance Gilliam nació el 22 de noviembre de 1940 en la localidad de Medicine Lake, en Minnesota, pero a los diez años de edad se trasladó a California.

Tenía un hermano y una hermana menor. Su padre, un antiguo miembro de la caballería estadounidense, era un representante de comercio reconvertido en carpintero, que debido al asma que padecía su hija, decidió marcharse, junto a su esposa y sus hijos, al soledado estado norteamericano para apaciguar allí el estado de salud de su pequeña.

Después de terminar el instituto en 1958 Terry estudió Ciencias Políticas en la Occidental College de California, en donde editó la publicación “Fang” y colaboró como dibujante en la revista “Mad”.

Más tarde se trasladó a Nueva York, trabajando con éxito para la revista “Help!”. En esta época conoció al actor inglés John Cleese.

Cuando la revista “Help” cerró, Gilliam, intentando evitar su incorporación a la Guerra del Vietnam, se unió a la Guardia Nacional durante breve tiempo. Después dejó Nueva York por Los Angeles y finalmente en 1967 se marchó al Reino Unido, colaborando con el “Sunday Time Magazine” y “The Londoner”.

Por mediación de Cleese, Terry terminó uniéndose en 1969 al grupo Monty Python y a su popular programa “Flying Circus”, siendo el único integrante no británico del grupo.

Su capacidad para la animación y su extrema imaginación visual serían claves en la trayectoria como cineasta de Terry Gilliam.

Filmografía
Tideland (2007) Director, Guionista
Los hermanos Grimm (2005) Director
Los caballeros de la mesa cuadrada (1998) Director
Miedo y asco en Las Vegas (1998) Director
Doce monos (1995) Director

El rey pescador (1991) Director
Las aventuras del Barón Munchausen (1988) Director, Guionista
Espías como nosotros (1985) Actor
Brazil (1985) Director, Guionista
Héroes del tiempo (1980) Director, Guionista
La Vida de Brian (1979) Actor, Guionista
La bestia del reino (1977) Actor, Director, Guionista
Se armó la gorda (1971) Guionista

Nuestro humilde homenaje

"...Gracias a Bergman soy todo lo que soy..."

Max von Sydow, el actor fetiche del director sueco.

Su gesto y sus dotes han hecho de Max von Sydow un maestro de la pantalla. Su nombre va unido al del Igmar Bergman, con quien rodó La historia más grande jamás contada (1965) entre otras obras maestras.

Max Von Sydow no se cansa de hablar de Bergman: "...Con él he compartido los momentos más intensos de mi carrera. Gracias a él me han conocido fuera de Suecia..."

"...La primera vez que trabajé con Bergman...", recordó el actor, "...era director de un teatro municipal. Durante cuatro años hice tantas obras como días tiene el año. En serio: ensayábamos una obra y, a la vez, empezábamos una película. Cuando se editaba ésta, ya estábamos en la siguiente temporada de teatro. Era una época con muchísimo estímulo y entusiasmo, y donde la libertad artística era enorme..."

(www.elmundo.es/2006/03/26/cultura/1948276.html)

"LA ANTENA" de Esteban Sapir

Una ciudad entera ha quedado sin voz... El Sr. TV, dueño del único canal de televisión, lleva adelante un siniestro plan secreto para someter eternamente a cada una de las almas de esta ciudad...

“LA ANTENA”de Esteban Sapir

Protagonizada por Valeria Bertuccelli, Alejandro Urdapilleta, Julieta Cardinali, Rafael Ferro y Florencia Raggi. - Con Sol Moreno, Jonathan Sandor, Ricardo Merkin, Raúl Hochman y Carlos Piñeiro.

Selección oficial 36º Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda)

Cierre 9º Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI)

La película está producida por LADOBLEA PRODUCTORES. Es en blanco y negro y tiene un exhaustivo proceso de post-producción digital incluyendo impactantes efectos y textura, también realizado por ladobleA.

“LA ANTENA” cuenta con el apoyo del INCAA y de Huber Bals Fund de Rotterdam.

Es un film procesado en blanco y negro. Fue rodado en 2004, y la compleja post-producción se realizó entre diciembre de 2004 y diciembre de 2006. Tanto el proceso de producción como de post-producción se desarrollaron íntegramente en ladobleA.

La historia nos muestra una ciudad entera que ha quedado sin voz y vive bajo un largo y crudo invierno. Un hombre malvado e inescrupuloso, el Hombre TV, dueño absoluto de las imágenes que ilustran y animan a esta ciudad, y de una extensa cadena de productos bajo su sello personal, lleva adelante un siniestro plan secreto para someter eternamente a cada una de las almas que habitan este lugar.

Para construir este monopolio ha financiado la creación de una peligrosa máquina que transmite hipnóticas imágenes por la pantalla de TV para inducir al consumo compulsivo de los productos con su sello.

Esta extraña máquina funciona con el cantar de una voz, y es por este fin que ordena secuestrar a una hermosa y cautivante mujer, la única persona que misteriosamente ha conservado el don el habla.

Un empleado del canal, El Inventor, es testigo de este secuestro y descubre que dicho plan siniestro puede ser contrarrestado si el hijo de la mujer secuestrada hubiera heredado el don del habla.

Es entonces que decide huir junto a su familia y el niño, hijo de La Voz, hacia una vieja antena trasmisora en las montañas para tratar de detener una inminente tragedia.

Con el tiempo en contra, el inventor logra reparar la antigua antena.

Pero instantes antes de llegar al momento de la macabra transmisión son sorprendidos por hombres del Sr. TV.

De esta manera comienza una agitada lucha que los llevará a develar un gran misterio.

(http://www.colombopashkus.com.ar/)

Viernes de Biografías

Hoy Pedro Almodovar

Nació en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, España, el 24 de Septiembre de 1951

Vivió la movida madrileña como escritor, actor teatral y músico, aunque su mayor prioridad fue siempre hacer cine. Desde su debut con Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón hasta su último éxito con Hable con ella, Almodóvar se ha ido labrando un prestigio internacional con su particular estilo que ha sido reconocido incluso con un par de Oscars.
Interesado por el séptimo arte desde pequeño, Pedro Almodóvar se lanzó a conseguir su sueño de hacer cine a los 16 años, cuando se trasladó a Madrid con la intención de estudiar y labrarse una carrera.

Durante años trabajó en diferentes empleos y ahorró dinero suficiente para comprarse una cámara de súper ocho: con ella empezó a rodar sus primeros cortos, que le sirvieron de aprendizaje como cineasta.

En aquellos tiempos, Almodóvar alternaba sus inicios en el cine con otras actividades artísticas: escritor (guiones de cómic, colaboraciones en periódicos y revistas underground, novelas), actor teatral (formó parte del grupo Los Goliardos, donde conoció a Carmen Maura), músico (creó un grupo de punk-glam-rock junto a McNamara)...Pedro incluso escribió por encargo una fotonovela para la revista El Víbora, que más tarde serviría como base para su primer largometraje: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980). Pese a la falta de medios con la que se rodó, el innovador estilo del cineasta causó sensación y convirtió el film en película de culto.

Dos años después llegó Laberinto de pasiones, que fue muy bien acogido por el público y le convirtió en un referente del cine español. Con su tercer film, Matador, Almodóvar empezó a darse a conocer en el extranjero. Pero fue la comedia Mujeres al borde de un ataque de nervios (1987) la que le dio la fama definitiva: además de batir récords de taquilla, recibió varios premios nacionales e internacionales y fue nominada al Oscar al mejor film extranjero.

El director manchego pasó a ser una de las figuras imprescindibles del cine español, y sus obras posteriores recibieron una excelente acogida por parte del público, como demostraron los buenos resultados de Átame o Tacones lejanos.

Aunque el gran momento de Almodóvar estaba por llegar.

En 1999, Todo sobre mi madre alcanzó un éxito sin precedentes, se hizo con infinidad de premios y obtuvo el Oscar al mejor film de habla no inglesa. Algo similar ocurrió en 2002 con Hable con ella, que también logró varios premios internacionales y le valió al cineasta otro Oscar, esta vez al mejor guión original, y una nominación al mejor director.

En la filmografía de Almodóvar destacan también Entre tinieblas (1983), ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), La ley del deseo (1986), Kika (1993), La flor de mi secreto (1995) y Carne trémula (1997) y La mala educación (2004).

Volver (2006) supone el regreso de Carmen Maura al universo del director manchego, uniendo fuerzas con las espectaculares Penélope Cruz, Lola Dueñas y Blanca Portillo. Aunque no ha sido nominada a los Oscars de este año, sí le ha reportado, entre muchos otros premios, cinco Goyas a la Mejor película, Mejor director, Mejor actriz protagonista (Penélope Cruz), Mejor actriz de reparto (Carmen Maura) y Mejor música original (Alberto Iglesias)

(www.portalmix.com)

Cine Independiente Argentino

La aparición de Pizza, Birra y Faso en el Festival de Cine de Mar del Plata en noviembre de 1997, abrió – sin lugar a dudas – una nueva etapa en el cine nacional. La renovación se produjó abarcando diversos aspectos, tanto cuestiones temáticas como formales. A este nueva generación de realizadores, algunos los agruparon bajo el genérico de Cine Argentino Independiente.
Al no existir en nuestro país una industria cinematográfica desarrollada, cabe preguntarse qué significa hablar de independencia en el cine nativo. Aquellos que llaman al nuevo cine nacional, "independiente" apuntan al concepto que considera a lo "independiente" como un cine "joven, libre, artísico, innovador". Fernando Martín Peña afirma: "reprimo la tentación de usar la palabra independiente, que en los últimos años ha sido manoseada hasta la pérdida de sentido".

Igualmente, cabe destacar que si bien en nuestro país no existe un sistema de estudios como el norteamericano con el cual enfrentarse para proclamar la independencia de determinada obra, dicho lugar podría ser ocupado por la televisión, que en los últimos tiempos parece acercarse a los nuevos realizadores. La película de Pablo Trapero (El Bonaerense) contó con la colaboración (cuando el film ya estaba terminado) de Pol-ka, la productora de Adrián Suar; así como también la serie realizada por Adrián Caetano (Tumberos) es producida por Ideas del Sur (de Marcelo Tinelli).

Sólo el tiempo determinará si se trató de sociedades eventuales o si definitivamente la televisión se apropió de los códigos de este nuevo cine, transformando en estereotipo lo que surgió como una renovación.

(www.canaltrans.com)

Ripstien y un Cine "casi" mexicano

En una entrevista, Arturo Ripstein decía que era engañosa la idea de que el cine mexicano estaba en boga porque directores como Iñarritu, Cuarón o Guillermo del Toro estén trabajando en películas gigantescas y multipromocionadas, ya que dichas películas (dice Ripstein) difícilmente puedan considerarse cine mexicano.

Hay tres films caracteristicos, Niños del Hombre de Cuarón, El Laberinto del Fauno de del Toro, y Babel de Gonzáles Iñarritu.

Habiendo visto sólo una de estas tres películas y conociendo apenas el argumento de las otras dos, me parece interesante el hecho de que ninguna de las tres trate ningún tema estrictamente mexicano ni ningún tema universal puesto bajo la lente de la cultura mexicana.

El hecho de que las tres películas estén protagonizadas por estrellas de Hollywood o internacionales (incluímos al sopeti Gael y a Maribel Verdú en esa lista) también da una idea del origen de los fondos y del objetivo de estas supercoproducciones.

Entonces, las nociones que nos ayudaban a distinguir entre el cine de Hollywood y el cine independiente norteamericano (un cine internacional y uno nacional, por ejemplo), hoy podrían ser aplicables también a muchos directores de cine de autor, o independientes del resto del mundo (desde Meirelles o Besson hasta consagrados como Almodovar y Allen e incluso argentinos, en sus coproducciones con festivales, fundaciones o productoras extranjeras).

Esto no es decir que todas las coproducciones sean híbridos, ni que todas las producciones nacionales sean pura sangre, simplemente pareciera que ahí dentro hay algo como para entender al cine de autor modelo 2000.

El problema, el del DNI del cine, no parece ser menor.

(http://www.791cine.com/)

Cine de Autor Vs Cine Independiente

por Ruben Peralta Rigaud

El Cine Independiente es el cine en el que el director/ra tiene un papel preponderante al basarse normalmente en un guion propio y ser realizado fuera de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes companias productoras, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película.No Obstante el sentirse libre y elegir sus actores, su musica le hace mostar al mundo lo que quieren decir acerca de un tema en especifico.
El cine, al igual que cualquier otra obra artística, tiene un autor. En el cine de autor, el autor es normalmente identificable o reconocible por algunos rasgos típicos en su obra.
En los años 60 del siglo XX, un grupo de críticos de cine franceses, que luego se pasaran al cortometraje y más tarde al largometraje, dentro de la corriente llamada Nouvelle Vague, empiezan a interesarse por las películas de realizadores de EE.UU. que en su país eran considerados como unicos directores de entretenimiento (Hitchcook) y reconsideran su despreciado talento y creatividad cinematográficas.
Estos críticos que luego serán cineastas eran entre otros Francois Truffat y Jean Luc -Goddard aportaron a la Nouvelle Vague francesa con trabajos muy importantes como Los 400 Golpes (1959) de Truffaut y Al Final de La Escapada (1960) de Godard.
Posteriormente, las compañías fundadas por los cineastas independientes crecieron y se transformaron en la industria del cine actual que ha creado todo un sistema comercial y un esquematizado sistema de producción del cual intenta apartarse el actual cine independiente.
Sin embargo, el término cine independiente ha sido explotado como un "género" por las distribuidoras a fin de comercializar sus productos. Son incontables los festivales de cine independiente, como el Festival de Cine De Cannes, para mencionar el mas importante de todos.
Por ejemplo, son contadas las peliculas del cine independiente de hoy que resultan taquilleras, no conozco la primera pelicula, por ejemplo, de Woody Allen que sopbre pase los 100 millones y si vemos en cuanto a historia y calidad de la mayoria de sus peliculas estan por encima de muchas que han sobrepasado esta cifra, pero que pasa, el cine independiente de hoy, muy distinto al de los 70 ( ALtman, Lynch,Lucas!!!?) no ha variado mucho, la unica y gran diferencia y de la cual estoy muy de acuerdo es que se ha aumentado el presupuesto apoyado por industrias para que llegue a mas publico, pero ojo, esto no quiere decir las industrias sean " caritativas" o " sacrificadas" por que queridos amigos en Hollywood NADIE lo es, las industrias al ver que tan lucrativo es, no piensan tanto en salas de cine, sino mas bien en renta de peliculas, por eso fijense que cantidad de " Special Features" tienes las peliculas de cine independiente que salen en formato DVD.
No olvidemos, el cine independiente y/o de autor de otros paises, por ejemplo, yo soy fiel admirador del cine espanol lo admiro por que es un cine de bajo presupuesto con historias sorprendentes, a la vez muy osada, sino, miran el caso de Alejandro Amenabar, para mi el mejor director de cine de Espana en estos tiempos ( Almodobar?), lo digo por que es un real maestro no solo de cine sino es un artista completo, hace su musica, sus guiones, sus historias y las dirige, incluso probo suerte en Hollywood, y solo tengo que decir que ni el ni yo creemos en suerte, por que hasta la fecha si the Others no ha sido la mejor pelicula de suspenso de los ultimos 10 anos, por favor hagamos memoria. Aqui les dejo un presente, en esta direccion veremos los mejores 100 posters de cine hasta la fecha, veran muchos clasicos...

(http://www.cinemacuteo.com/)

Viernes de Biografías

Hoy Lucrecia Martel

Nació en Salta, el 14 de Diciembre de 1966.

Pasó la adolescencia en su ciudad natal inventando películas que tenían por protagonistas a sus familiares.

Al finalizar el secundario, se trasladó a Buenos Aires para estudiar Ciencias de la Comunicación. Pero pronto volvió a su temprana vocación de cineasta. Así lo confirman los cortos El 56 (1988), Piso 24 (1989), Besos rojos (1991) y El rey muerto (1995)

Su formación la llevó por la Esc. de Cine de Avellaneda, y el ENERC.

El 1er. reconocimiento fue con su corto Rey Muerto, parte de Historias Breves I.

Su primer largo, La Ciénaga, se llevó el premio a Mejor Opera Prima en el Festival de Berlín 2001 y la impuso como la mayor promesa del Nuevo Cine Argentino.

La niña santa, su último film, fue seleccionado para la competencia oficial del Festival de Cannes 2004.



(www.infotematica.com.ar)

Ciclo: Robert Rodriguez para niños

Forma parte del ciclo "Quentin & Robert: Dos tipos audaces"

Funciones para el día miércoles 25/07/2007
en Espacio Cultural Julián Centeya (Av. San Juan 3255 - tel: 4931-9667 / 4931-4393)

Mini Espías (Spy Kids - Robert Rodríguez) Origen: EUA - Año: 2001 - 88 min. con: Antonio Banderas, Carla Gugino, Alexa Vega y Daryl Sabaraa las 16hs / Entrada libre y gratuita

Comentario:
Supuestamente, la pareja más importante de súper espías secretos internacionales Gregorio e Ingrid Cortez se había dedicado a educar a sus hijos. Sin embargo, el caos internacional los obliga a volver al espionaje. El motivo es que siete importantes espías han desaparecido y se sospecha que está involucrado el conductor de TV y genio de la tecnología Fegan Floop. Lamentablemente, la pareja no está en su mejor nivel y son atrapados por el enemigo. Lo curioso es que el destino de los Cortez, y quizás del mundo, parece depender de Carmen y Juni, los hijos de la pareja.

Funciones para el día jueves 26/07/2007
en Espacio Cultural Julián Centeya (Av. San Juan 3255 - tel: 4931-9667 / 4931-4393)

Mini Espías 2: La isla de los sueños perdidos (Spy Kids 2: Island of Lost Dreams - Robert Rodríguez) Origen: EUA - Año: 2002 - 100 min. con: Antonio Banderas, Carla Gugino, Alexa Vega y Daryl Sabaraa las 16hs / Entrada libre y gratuita

Los niños espías viven su primera misión en solitario en la Isla de los Sueños Perdidos, el extraño refugio -plagado de criaturas mutantes- de un villano que amenaza al mundo. Con Antonio Banderas como el padre de los pequeños, el veterano Ricardo Montalbán como el abuelo, Steve Buscemi como un malvado científico y Bill Paxton como el dueño de un curioso parque de diversiones.

Funciones para el día miércoles 01/08/2007
en Espacio Cultural Julián Centeya (Av. San Juan 3255 - tel: 4931-9667 / 4931-4393)

Mini Espías 3D (Spy Kids 3-D: Game Over - Robert Rodríguez) Origen: EUA - Año: 2003 - 84 min. con: Antonio Banderas, Carla Gugino, Alexa Vega y Daryl Sabaraa las 16hs / Entrada libre y gratuita.

El joven agente Juni Cortez (Daryl Sabara) es reclutado por sus antiguos jefes para entrar en un nuevo juego de video llamado Game Over y salvar a su hermana Carmen (Alexa Vega), quien quedó atrapada al intentar detener a un villano conocido como Toymaker (Sylvester Stallone). A Juni se le informa que no sólo Carmen corre el riesgo de permanecer para siempre en el juego sino que todos los niños que lo compren están en peligro de ser capturados por Toymaker. Por fortuna, el chico tiene la posibilidad de llamar a otra persona para asistirlo en el juego y decide solicitar la ayuda de su abuelo (Ricardo Montalbán).

Funciones para el día jueves 02/08/2007
en Espacio Cultural Julián Centeya (Av. San Juan 3255 - tel: 4931-9667 / 4931-4393)

Las aventuras del niño tiburón y la niña de fuego en 3D (The Adventures of Sharkboy and Lavagirl 3-D - Robert Rodríguez) Origen: EUA - Año: 2005 - 93 min. con: David Arquette, Cayden Boyd y Taylor Dooleya las 16hs / Entrada libre y gratuita

Comentario:
Aquí el protagonista es Max, un niño marginado por quienes lo rodean que, en un intento por escapar de las reyertas de sus padres y de las burlas de sus compañeros de escuela, se refugia en sus sueños y en sus fantasías. Cuando el pequeño intuye que los poderes secretos que transitan por su imaginación podrían ser más reales, su mundo cambia completamente. Junto al Niño Tiburón, que se perdió en el mar, y a la Niña de Fuego, una adolescente volcánica que emite llamas y rocas al rojo vivo, llega al Planeta Dool que, con sus montañas rusas y cielo violeta, le proporcionará la realidad de sus más insólitos sueños.

(www.elreverso.com.ar)

Arturo Ripstein - Análisis

"Profundo Carmesí": Profundo y Carmesí

por Sol Salinas msolsalinas@hotmail.com

(México / España / Francia, 1996)

Dirección: Arturo Ripstein

Guión: Paz Alicia Garciadiego

Elenco: Daniel Giménez Cacho, Giovanni Florido, Marisa Paredes y Regina Orozco

Producción: Pablo Barbachano, Marin Karmitz, José María Morales y Miguel Necoechea

Música: David Mansfield

Fotografía: Guillermo Granillo

Montaje: Rafael Castanedo

Sonido: Antonio Betancourt

Dirección de Arte: Mónica Chirinos, Macarena Folache, Antonio Muño-Hierro, Patricia Nava y Marisa Pecanins

Vestuario: Mónica Neumaier

Duración: 111 min

“La tierra que habitamos es un error, una incompetente parodia. Los espejos y la paternidad son abominables porque la multiplican y afirman. El asco es la virtud fundamental.”
Jorge Luis Borges

Arturo Ripstein posee un mundo propio y también la capacidad de abrirlo, explorarlo y entregarlo. Su cine es agobiante y brutal, depresivo, difícil de digerir, inteligentemente asqueroso, preciosamente repelente…
Su compacta y coherente filmografía se encuentra atravesada por ciertos núcleos temáticos que la estructuran y que podrían comprimirse en dos grandes temas: la familia y los celos. Porque su crítica social parte de su crítica a la familia adoptando formas melodramáticas. Es que luego de las rupturas de la década del sesenta, este cineasta recurre al cine de género y se hace cargo de su mejicanidad desarrollando el otro lado de la moneda, el lado oscuro del melodrama. Ripstein reconstruye este género para llevarlo al extremo y dejar al desnudo las más bajas miserias de los seres. De alguna manera, estos filmes poseen la magia de permitir que el espectador presienta lo que va a ocurrir pero también poseen el poder de asaltarlo y sorprenderlo.
Es a partir de su encuentro artístico y personal con la guionista Paz Alicia Garciadiego que las historias de sus filmes van a ser causa y consecuencia de terribles madres sin escrúpulos. Porque – retomando la idea anterior- la familia y la pareja se constituyen en verdaderas trampas que ahogan y encierran a los personajes que habitan en estos bajos mundos.
“Desde el shot con el que inicia “Tiempo de morir” – las puertas de la celda encierran a Juan Sáyago, el protagonista, fuera de la cárcel- hasta el plano final de su más reciente cinta, “Profundo carmesí” – la pareja de amantes criminales unidos en la muerte, encerrados en su propio reflejo dentro de un charco tinto como la sangre- , el corpus total de la obra de Ripstein posee claros signos distintivos y ostenta una admirable cohesión tanto en la forma como en los temas” (1)
En la filmografía de este cineasta puede probarse la imposibilidad o esterilidad de separar la forma del contenido de una obra de arte. En general, podemos sostener que todos los personajes del mundo de Ripstein son víctimas de sus propias trampas psicológicas y se nos presentan atrapados por extensos planos secuencia y por envolventes movimientos de cámara. Los giros de la cámara parecen ser consecuencia de la decisión de capturar en ambientes cerrados las acciones principales del relato y de la utilización de planos largos. De esta manera, la cámara queda capturada junto a los personajes y se ve obligada a realizar movimientos circulares que eviten el corte directo.

Particularmente, “Profundo carmesí” es un filme acerca del color que celebra terribles secuencias teñidas de rojo sangre y oscura violencia. La puesta parece determinada por este tono que es el color pasional por excelencia, como ya lo han testimoniado Minnelli, Ophuls y Sirk. En este sentido, la utilización simbólica de este matiz llena de fuerza y agresión al filme. Su protagonista, Coral – por supuesto que no es casual la utilización de este colorido nombre – se nos presenta en vestuarios de esta tonalidad o manchada por la sangre de sus víctimas.Al estilo de “El lugar sin límites” – filme bastante anterior que realizó con Manuel Puig como guionista – la ligazón entre este color y la protagonista es bastante clara y contundente. Los juegos entre colores que contrastan y que se resaltan mutuamente – pensemos la escena en la que Nicolás casi ahoga a una de sus inmaculadas víctimas en un tonel de oscurísimo aceite - producen una violencia visual que impacta y que es redundante con respecto a la historia que el filme cuenta. Forma y contenido no se contradicen ni producen contrapuntos: sino que por el contrario, se fortalecen operando en el mismo sentido y extremando la brutalidad ya contenida en el guión de la obra.
Como señalamos, Arturo Ripstein parte del género latinoamericano por excelencia, el melodrama, para despedazarlo llevándolo al extremo. En este caso, la ideal pareja protagonista característica de este género se aleja del estereotipo y se encuentra constituida por un calvo gigoló y una obesa enfermera sin escrúpulos. Y es que este artista parece reírse con ironía ante la idea de un amor sin límites ni obstáculos. La crítica al núcleo familiar en “Profundo carmesí” es devastadora: Coral abandona a sus hijitos al inicio del filme y se dedicará a asesinar mujeres solitarias junto a su amante. El móvil de su accionar serán – como ya habíamos comentado con respecto al resto de la filmografía de este artista - los terribles celos que le impiden ver a su amado cortejar a estas viudas. En este filme, la soledad que atormenta a todos los personajes es una de las temáticas principales. Esta nefasta pareja permanece insólitamente unida hasta la muerte para evitar este sentimiento, pero, además, es la desolación que angustia a sus víctimas – todas se aferrarán rápidamente a este caballero español- el factor que les permite llegar a ellas. Ningún personaje desarrollará los roles típicos del melodrama canónico: aquí ninguna madre es perfecta o se sacrifica por sus hijos, ningún hombre es fuerte y seguro así como ninguna mujer es una terrible femme fatal. De hecho, todos los seres de este mundo son miserables, infelices y asquerosos.

Ya que nos referimos al cine de género, “Profundo carmesí” también es una road movie bastante particular, que le otorga poca importancia a lo que sucede en los caminos. Los trayectos hacia las casas de estas mujeres sólo constituyen transiciones en el relato y es que estos personajes serán víctimas tanto de sus respectivas psicologías como de la puesta en escena. Porque el filme atrapa en asfixiantes y claustrofóbicos ambientes a las acciones más importantes de la estructura narrativa; en la que cada viuda es una nueva serie, un nuevo punto en el trayecto que atraviesa esta pareja y que se constituye en el esqueleto de la obra. El viaje de esta pareja es metafórico, es un viaje hasta las acciones más despreciables cuyo punto máximo está dado por el asesinato de niños.

El film parte de hechos reales aunque no lo mencione, nos atormenta con una ficcionalidad que tiene base en hechos que realmente han ocurrido, implica una mirada que se espanta y que se ve tentada a bajar la vista. Pero también propone una mirada que se desdobla, determinada por el uso que Ripstein realiza de los espejos mediante los cuales pone en abismo la puesta planteando la representación de la representación. Alejándose de esta manera, de todo realismo y también de cualquier tipo de documentalismo. La primera secuencia nos presenta a Coral mediante la imagen partida que nos devuelve su resquebrajado espejo y luego a Nicolás en el momento mismo en el que se enfrenta al reflejo de su propia calvicie; la obra trae y mata a sus protagonistas desde sus reflejos. Sólo el espectador que se interese por la obra y que decida investigar al respecto descubrirá que la crueldad de la ficción no ha superado a la realidad…
“Profundo carmesí” ahoga la mirada en las profundidades de esta estética de la violencia sin límites que incomoda e increpa, que sacude y despierta, que implica una actitud moral y vital ante el cine, ante el arte.

(1) Susana López Aranda, “Arturo Ripstein: la construcción sin fin”, Nosferatu, Buenos Aires, Nº 22.

Recursos Web:
http://www.babab.com/no05/arturo_ripstein.htm - Entrevista a Arturo Ripstein
http://www.lanacion.com.ar - Entrevista a Arturo Ripstein
http://www.babab.com/no13/paz_alicia.htm - Entrevista a Paz Alicia Garciadiego
http://www.revistacinefagia.com/memoria015.htm - Historia original en la que se basa "Profundo Carmesí", y que diera pie también a un primer film llamado "The Honeymoon Killers" (que ya tiene su remake 2007)
http://www.revistatodavia.com.ar/todavia13/notas/wolf/txtwolf.html - Artículo de Sergio Wolf sobre melodrama
www.imaginacionatrapada.com.ar6/7/2007

(ttp://www.imaginacionatrapada.com.ar/Cine/profundo-carmesi.htm)